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curso linograbado

Taller introducción al linograbado

¡EMPEZAMOS CON LOS TALLERES DE SÁBADO EN PINTARTE VALENCIA!

El primero que tendremos será de introducción al linograbado.

¿No sabes lo que es el linograbado?

El linograbado es una variante de grabado en madera en la que se utiliza una hoja de linóleo para la superficie en relieve.

La plancha de linóleo se corta y vacía los espacios en blanco, por medio de gubias del tipo U o V, con instrumental de corte y cuchillas, aunque también se puede recortar. De tal modo que la imagen que se quiere estampar queda en relieve y el fondo blanco queda rebajado.

Luego de que se ha producido el tallado, se entinta la superficie con un rodillo, quedando la tinta solamente en las partes que no se han rebajado. A continuación se pasa al papel en el proceso de estampación. Este procedimiento se puede efectuar de forma manual o a través de una prensa.

Originalmente el linóleo ha sido un material que se utiliza para revestimiento de suelos, patentado por Frederick Walton en 1860.

A causa de su bajo costo y por sus características de material resistente y blando se comenzó a usar para trabajos gráficos, eligiéndose el de color gris o marrón por su mejor calidad.

Como técnica de impresión fue utilizado en Alemania entre 1905 y 1913 por los artistas de Die Brücke.

Uno de los artistas que usó el linograbado fue Henri Matisse quien lo utilizó entre 1937 hasta 1951 muchos de los cuales los utilizó para la ilustración de libros.

 

En las 6 horas que dura la jornada, dibujarás y tallarás la matriz, y después la estamparemos con el tórculo, también veremos posibilidades de estampar manualmente. Hablaremos de papeles recomendados, de cómo hacer un registro para que las estampas queden siempre igual, etc.

Además podemos organizarnos para comer juntos y así comentamos cosas de arte, de exposiciones, de grabado, o de la vida!

Será el 16 de octubre.

¿Te apuntas? Serán 60€ con TODOS LOS MATERIALES INCLUIDOS.

 

 

MES DEL FUTURISMO

“Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido de una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras, con su radiador adornado de gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo… un automóvil que ruge, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia”. Marinetti, febrero 1909

Esta semana, en el Taller infantil vamos a pintar como lo hacían los futuristas italianos.

¿Qué fue el futurismo? 

Futurismo

Giacomo Balla. Ragazza che corre sul balcone. 1912

El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales que la historia del arte consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.

Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, que basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir un nuevo orden en el mundo.

El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas.

El futurismo procede directamente del cubismo, incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad. Es un movimiento fundamentalmente italiano. Se busca el escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de identidad del mundo moderno y pretende romper con el pasado. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Condenan a los museos, a los que considera como cementerios. Pretenden, y valoran, la originalidad por encima de todo.

Particularidades

  • Exaltación de la originalidad.
  • Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.
  • Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.
  • Utilización de formas y colores para generar ritmos.  Giacomo Balla. Vuelo de golondrinas.
  • Colores resplandecientes
  • Transparencias
  • Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo)

 

 

 

La importancia que tuvo el futurismo, más allá de sus méritos artísticos, consistió en crear una estética desde cero, con lo que se hizo posible una profunda renovación de las técnicas y principios artísticos, cuyas repercusiones aún se sienten. Fue uno de los primeros “ismos” o vanguardias artísticas, y su valor como movimiento de ruptura allanó el camino a otras corrientes que refrescaron el panorama artístico en los albores del siglo XX.

 

En el taller, esta semana nos centraremos en el movimiento del cuerpo humano. Pintaremos personas saltando, corriendo, bailando, cada niño elegirá el movimiento que desea transmitir. ¡Yo ya estoy impaciente por ver sus reacciones y resultados!

Velázquez. Pintor de pintores

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez fue bautizado el 6 de junio de 1599 en la Iglesia de San Pedro de Sevilla, de esto hace ya 416 años. velazquez-pintarte (3)

Se ha hablado mucho sobre su obra, ampliamente estudiada desde sus contemporáneos hasta nuestros días. Me gustaría detenerme hoy en la evolución de su estilo pictórico. El texto lo he extraído del artículo de la wikipedia que habla sobre el pintor sevillano. 

En sus inicios sevillanos, su estilo era el del naturalismo tenebrista, valiéndose de una luz intensa y dirigida; su pincelada densamente empastada modelaba las formas con precisión, y sus colores dominantes eran tonos tostados y carnaciones cobrizas.

Para Xavier de Salas cuando Velázquez se estableció en Madrid, al estudiar a los grandes pintores venecianos en la colección real, modificó su paleta y pasó a pintar con grises y negros en lugar de los colores terrosos. Todavía hasta el final de su primer periodo madrileño, concretamente hasta que realizó Los borrachos, siguió pintando sus personajes con contornos precisos y destacándolos de los fondos con pinceladas opacas.

En su primer viaje a Italia realizó una radical transformación de su estilo. En este viaje el pintor ensayó nuevas técnicas, buscando la luminosidad. Velázquez, que había ido desarrollando su técnica en los años anteriores, concluyó esta transformación a mediados de 1630, donde se considera que encontró su lenguaje pictórico propio mediante una combinación de pinceladas sueltas de colores transparentes y toques precisos de pigmento para resaltar los detalles.

A partir de La fragua de Vulcano, pintada en Italia, la preparación de los cuadros cambió y se mantuvo así el resto de su vida. Se componía básicamente de blanco de plomo aplicado con espátula, que formaba un fondo de gran luminosidad, complementado con pinceladas cada vez más transparentes.En La rendición de Breda y en el Retrato ecuestre de Baltasar Carlos, pintados en la década de 1630, concluyó este cambio. El recurso a los fondos claros y capas transparentes de color para crear una gran luminosidad eran frecuentes en pintores flamencos e italianos, pero Velázquez desarrolló esta técnica hasta extremos nunca vistos.

Esta evolución se produjo debido al conocimiento de la obra de otros artistas, especialmente la colección real y los cuadros que estudió en Italia. También por su relación directa con otros pintores, como Rubens en su visita a Madrid y los que conoció en su primer viaje a Italia. Velázquez, por tanto, no hacía como los otros pintores que trabajaban en España, que pintaban superponiendo capas de color. Él desarrolló su propio estilo de pinceladas diluidas y toques rápidos y precisos en los detalles. Estos pequeños detalles tenían mucha importancia en la composición. La evolución de su pintura prosiguió hacia una mayor simplificación y rapidez de ejecución. Su técnica, con el paso del tiempo, se volvió más precisa y esquemática. Fue el resultado de un amplio proceso de maduración interior.

El pintor no tenía la composición totalmente definida al ponerse a trabajar; más bien prefería ajustarla según iba progresando el cuadro, introduciendo modificaciones que mejorasen el resultado. Raramente hacía dibujos preparatorios, simplemente hacía un bosquejo de las líneas generales de la composición. En muchas de sus obras sus célebres correcciones se aprecian a simple vista. Los contornos de las figuras se van superponiendo en el cuadro según modificaba su posición, añadía o eliminaba elementos. A simple vista se pueden observar muchos de estos ajustes: modificaciones en la posición de las manos, de las mangas, en los cuellos, en los vestidos. Otra costumbre suya era retocar sus obras después de concluidas; en algunos casos estos retoques se produjeron mucho tiempo después.

La paleta de colores que empleaba era muy reducida, utilizando en toda su vida los mismos pigmentos. Lo que varió con el tiempo es la forma de mezclarlos y aplicarlos.

El grado de acabado es otra parte fundamental de su arte y depende del tema. Las figuras -en particular cabezas y manos- son siempre la parte más elaborada; en el caso de los retratos de la familia real, están mucho más trabajadas que en los bufones, donde se tomó las mayores libertades técnicas.En cuadros como La costurera, la zona abocetada con amplias pinceladas ocupa gran parte del cuadro. A lo largo de su vida, en muchos retratos y otras composiciones mitológicas, religiosas o históricas, aparecen estas zonas esbozadas. Para López-Rey es claro que estas partes abocetadas tienen una intensidad expresiva intrínseca, estando bien integradas en la composición del cuadro, y puede considerarse parte del arte de Velázquez.

En Valencia tenemos un magnífico autorretrato en el Museo de Bellas Artes San Pío V.

En París estos días le dedican una amplia retrospectiva en la que se pueden ver algunos de sus cuadros, aunque hay grandes ausencias como las Meninas o Las Hilanderas.

Os dejo en enlace a la noticia que apareció en RTVE sobre la exposición en el Grand Palais de París:  http://www.rtve.es/noticias/20150324/velazquez-pintor-pintores-conquista-paris/1118141.shtml 

velazquez-pintarte (1) velazquez-pintarte (2)  velazquez-pintarte (4)

Las imágenes que ilustran este post las han realizado alumnos de la academia, de entre 6-9 años.

 

Os recomiendo un vídeo de un reportaje que se emitió en Informe Semanal, en TVE sobre el pintor, probablemente, más importante de nuestra historia.

Velázquez. Informe semanal, TVE

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